OBRAS (en proceso)

(en proceso)

LA ESPAÑOLA INGLESA 

de Miguel de Cervantes

Nuestra adaptación de la novela

"La vida es sueño,

y el sueño pesadilla es ..."

Monólogo fantástico, con teatro de sombras. 

1. La obra

Nuestra obra está basada en una de las Novelas ejemplares, La española inglesa, publicada en 1613 por Miguel de Cervantes Saavedra.

 

La trama gira alrededor de Isabel, raptada con siete años por un corsario inglés. Ese pirata lleva a la niña a vivir con él y su familia a Inglaterra y la historia se centra en los intentos heroicos de Ricaredo, el hijo de este corsario, por casarse con su Isabel.

 

A primera vista, es un relato de aventuras provocadas por una historia de amor, pero tiene un fondo político y moralista. Isabel es española y católica y es secuestrada por un católico inglés para vivir en la Inglaterra de la protestante reina Isabel. Para sobrevivir, ella tiene que conformarse. La sociedad es profundamente machista, y en el fondo de la narración está la lucha de Isabel por conseguir una vida digna en un mundo que ha sido injusto con ella.

 

La obra es una de las más históricas de Cervantes y la ficción está narrada con un fondo que describe la realidad histórica y política entre España e Inglaterra. Se puede leer la fábula de esta novelita como una metáfora de las relaciones entre estos dos países y sus religiones: tanto sus conflictos como su reconciliación.   

 

El cuento de Cervantes es profundamente pacifista y argumenta la necesidad de una gran reconciliación y entendimiento entre las facciones antagónicas. Por eso, en esencia, es una obra humanista y sus sentimientos son muy relevantes para nuestro mundo.

2. Nuestra adaptación

Nuestra adaptación narra la historia de La Española Inglesa desde el punto de vista de Isabel, y, por consiguiente, tiene un punto de vista femenino y feminista, crítico del mundo patriarcal en el que Cervantes desarrolló su novela.

 

La incorporación del teatro de sombras y otros títeres nos permite recrear el mundo épico de grandes aventuras y viajes que están en la novela, y a la vez, descubre la narrativa que subyace bajo el texto contado.

 

En la versión de Ñu Teatro, la protagonista femenina no se silencia y la pieza se convierte en mucho más que la historia de la bravura masculina y el sacrificio romántico que pintó Cervantes. La versión de Ñu es una historia de supervivencia mucho más triste. Nuestro planteamiento se lleva a cabo en un escenario abierto: atemporal, como si la protagonista estuviera atrapada en un limbo o en un purgatorio. La Isabel de Cervantes está envuelta en un universo de blanco y negro que ocasionalmente puede ser coloreado por sus propias esperanzas e ilusiones. Pero éstas están siempre marcadas por su trauma personal – que fue secuestrada de niña y desgarrada de su familia y su hogar para ser criada por una familia en Inglaterra.

 

En la producción de Ñu Teatro, comenzamos con la premisa de que el resto de la vida de Isabel tuvo que estar condicionado por este trauma intolerable desde su infancia.  

 

En nuestra adaptación, la historia se revela no sólo como un recuerdo, sino también como un sueño. El universo de La Española Inglesa es un mundo de sombríos fantasmas que transforma la memoria en una pesadilla.

 

Mantenemos la belleza de la poesía de Cervantes por lo que un ochenta por ciento del texto de nuestra versión corresponde al original cervantino. Sin embargo, la forma teatral es posdramática: deconstruye la narrativa de Cervantes con interrupciones constantes, y eleva el momento histórico de la obra a otro plano anacrónico y universal para situarnos también en lo real.

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HISTORIAL DE OBRAS (estrenadas)
 

New World Party

(nuestra época músical)

Estrenado mayo 2018

Desde 2014 a 2018 hicimos un descanso en la actividad teatral para concentrarnos más en la producción de música. Ya habíamos empezado a componer música con News from the Moon,  incorporando canciones originales en la obra. Luego, con Ñu Accents, Paul Adkin creó una banda sonora de su obra para bebés Bubbles, y Ñu Accents empezó a introducir música en directo en varias de sus obras. Formamos Ñu Music y desde 2015 hemos producido 3 albumes de música original, formando el grupo Madadkin con Ariadna Santana. 

  

Muchas de estas canciones son de indole político. Hablan de la emergencia climática y critican el sistema económico y las ideologias nihilistas, proponiendo ideas positivas y utópicas como solucción al sistema que tenemos. 

Con estas canciones construimos el New World Party, una actuación filosófico-musical que mezclaba un concierto de música en directo con textos filosóficos proyectados en interludios de video. 

Kaspar Hauser fue nuestra primera producción. El guion fue desarrollado por Paul Adkin a partir del relato de Anselm Ritter von Feuerbach sobre la misteriosa vida y muerte del niño salvaje, Kaspar Hauser. Interpretada por Jorge Vales como Kaspar y Bea Urzáiz como un cruel Feuerbach, nuestra producción empezaba con una pantomima-biomecánica, que fluía sobre el acompañamiento musical de la quinta de Beethoven. De esta manera la esencia de la obra se revelaba en una serie pictórica de estatuas, conectadas por una danza biomecánica, actuando como resumen y preludio de la narrativa. 
La puesta en escena era simple y abierta. Un viejo baúl fue colocado en la parte posterior del escenario, donde se guardaban los accesorios que se necesitaban. Kaspar llevaba un caballo de cuero como mascota (más tarde se convertirá en la mascota de la compañía). Había una capa y un látigo.para Feuerbach y una cadena voluminosa que se usaría para contener al niño salvaje.  
El maquillaje era grotesco; las líneas físicas de los cuerpos del actor, amplias y exageradas; las sombras siempre presentes y gran parte de la iluminación se hizo desde el suelo, dando a la actuación una sensación expresionista.
Las estatuas de este preludio de 3 minutos se repitieron de una en una al principio y al final de cada escena. 
El primer acto de la obra se escenificó como un espectáculo de monstruos de feria, con Feuerbach presentando a Kaspar encadenado como una aberración de la naturaleza. Feuerbach quería demostrar su tesis de que la mente humana es una pizarra en blanco sobre la que la civilización se imprime en nosotros, en la misma forma que el niño salvaje aprende lenguaje. En el sentido más amplio, el espectáculo era una analogía que muestra como el proceso civilizador es una práctica inhumana para todos los seres humanos, o sea, lo que Paul Adkin llama "el proceso histórico anti-humano de la civilización".    

Kaspar Hauser

de Paul David Adkin

Estrenada septiembre 2006

en la Sala TIS de Madrid

 

Yo, consul

de Paul David Adkin

Teatro épico.

Estrenada en enero 2007,

en la Sala Youkali de Madrid

 

"Yo, Cónsul" fue escrito justo en medio de la invasión de Irak por Bush y la pieza es una alegoría deliberada del abuso de poder que culminó en ese conflicto. La alegoría también funciona a un nivel secundario, el de la política del arte y el mercado, ya que la historia también muestra a una compañía de circo decadente tratando de mantenerse con vida cambiando el circo por el teatro. La jerarquía de la compañía circense que necesita una revisión completa se convierte en una metáfora del Imperio Romano, que en sí mismo es una metáfora del imperio global de los EE.UU., que a su vez condiciona la necesidad del circo de modernizarse y convertirse en algo que no es.

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La pieza es épica en el sentido Brechtiano y Brechtiano en el sentido estilístico. El paisaje es crudo, nos limitamos a utilizar sólo materiales que ya teníamos en el estudio de ensayo: una escalera, algunas telas de colores, un par de pantallas y un gran sillón que se encontró en la calle. Del mismo modo, los trajes se formaban a partir de lo que estaba a mano y las únicas adiciones eran "máscaras" de los cónsules y senadores romanos. 
Usamos técnicas de teatro físico: la biomecánica de Meyerhold, las habilidades circenses, el payaso y la Commedia.  


El director del circo es un fascista, llamado Napoleón, que se relaja escuchando a Wagner y las grabaciones de los discursos de Hitler. Roma es una fantasía erótica para él. Crea su nueva compañía de teatro bajo la apariencia de un circo de mentiras con el fin de rendir homenaje al gran reformador de la República, Cayo Mario.


Lo que se desarrolla es una gran farsa. Los sueños de Napoleón son socavados constantemente por un caos democrático que subyace bajo la superficie. Es a través de este caos donde la historia del cónsul se desarrolla hacia su trágico final y su conclusión fatalista de que la historia es cíclica, y que todo progreso es ilusorio. Sin embargo, la pieza acaba con el optimismo de que, al ser conscientes de cómo funciona el ciclo absurdo, tenemos una oportunidad de cambiarlo y hacer posible el progreso real.  

El escenario, un espacio vacío, encarna la esencia del poder que es una lucha por ocupar el espacio por medios retóricos y coreográficos. El poder en el sentido teatral es siempre democrático en su forma, ya que necesita seducir a la parte principal del público para tener éxito, pero también es fundamentalmente dictatorial en su deseo de obtener una aclamación unánime de los espectadores. El poder teatral siempre se canaliza hacia la obtención del máximo aplauso; haber seducido abrumadoramente al público para 'amar' la mentira (porque el teatro es siempre una mentira en su esencia) de la que los artistas nos han estado alimentando. 

 

La reina que no pudo

reinar

de Paul David Adkin

Teatro histórico.

Estrenada en octubre 2007,

en la Sala Youkali de Madrid

 

Hamlet Rex

de Paul David Adkin

Teatro posdramático.

Estrenada en enero 2008,

en el Teatro Lagrada de Madrid

Hamlet Rex es una representación posdramática sobre las crisis de identidades de nuestro mundo posmoderno.

La trama se desarrolla dentro de un caótico galimatias de transformaciones de identidad. La familia de Hamlet ha sido transportada al mundo contemporáneo y se les ha quitado su característica de identidad más importante, como es la realeza. En lugar de ser una reina, la madre de Hamlet, Gertrude, es actriz, y el propio Hamlet quiere ser actor. Esto causa fricción entre ellos cuando Gertrude insiste en que no arruine su vida al unirse a la profesión de actor.

Quedan restos de la obra de Shakespeare: el padre de Hamlet está muerto, probablemente asesinado por su madre y / o amante Claudio. Este último se convirtió en director de teatro para vengarse de la familia que ha despreciado.

Con esta trama, la venganza de Claudio, nos adentramos en la región de Edipo Rey, que distorsiona todas las identidades un paso más allá: Hamlet ahora se convierte en actor interpretando a Edipo, en una producción dirigida por una figura invisible que es realmente su tío, junto a su madre enmascarada en el papel de Yocasta, la madre de Edipo.

Todos los personajes tienen dos identidades pervertidas, pero la corrupción es aún más profunda. Hamlet es un actor que interpreta a Hamlet y Edipo, pero Edipo también tiene dos identidades. La primera es la que le atribuye el destino: el parricida que se casa con su madre, una identidad que Edipo rechaza, al igual que Hamlet, que detesta a su madre. La segunda identidad es la del buen rey, aunque en realidad se ha convertido en un tirano benevolente, con una relación sadomasoquista con su gente que lo ama y lo sigue a pesar de que su mundo es decrépito y contaminado.

En Hamlet Rex, nada parece lo que es: todos han violado las leyes de la naturaleza y todo está en un estado de putrefacción y esterilidad. En cierto sentido, Adkin está haciendo una declaración análoga a través de la obra dramática sobre el mundo posmoderno: a pesar de la deconstrucción de las antiguas sociedades y toda la reestructuración de las identidades que siguieron, no ha habido resurrección de la humanidad, y el espíritu humano está cada vez más enfermo y perverso de lo que nunca ha sido.

La narrativa de gran parte de la obra de Paul Adkin es 'postépica', es decir, no expresa una, sino muchas verdades. En el caso de Hamlet Rex, también es 'postrágico' porque no representa una, o las dos obras a las que se refiere su título, sino muchas tragedias. En esencia, es una advertencia de que la relatividad de la verdad, que es una negación de lo auténtico en donde encontramos todos los nihilismos, desata un nuevo fatalismo que invita a la furia de todas las tragedias.    

1808 -

el juego de las sillas

de Paul David Adkin

Teatro épico e histórico.

Estrenada en mayo 2008,

en la Plaza de Toros de Navalcarnero

1808 – EL JUEGO DE LAS SILLAS fue la primera pieza comisionada de Ñu Teatro, contratada por el Ayuntamiento de Navalcarnero en 2008 para ser presentada en la Feria del Libro de la localidad en la Plaza de Toros.

 
Lo que, de hecho, querían era una obra de treinta minutos sobre la Guerra de la Independencia para las celebraciones del bicentenario que tuvieron lugar ese año. 


De hecho, nunca tuvimos una obra de teatro así, y la producción fue creada en apenas dos semanas. 
Concentrar toda la Guerra de la Independencia en un espectáculo de media hora no fue una hazaña fácil, pero Paul Adkin fue capaz de lograrlo magníficamente. Ya había estado contemplando hace tiempo hacer algo sobre el tema, y la idea de representar la guerra como una especie de juego de sillas ya estaba en lo más profundo de su mente. 


Nuestros experimentos previos con la biomecánica y el trabajo de teatro épico que habíamos hecho con Yo, Cónsul, fueron muy útiles. Lo que se produjo en 1808 fue una especie de marcha esculpida y un baile alrededor de un centro de sillas plegables que poco a poco desapareciaron del escenario, abriendo el espacio para una mayor y mayor lucha de poder con la caída de cada personaje histórico. Las estatuas, en este caso, eran principalmente representaciones de pinturas y aguafuertes de Goya sobre la guerra. 


Después de Navalcarnero, desarrollamos la pieza en una versión más larga de 60 minutos que recorrió extensamente a ciudades y pueblos de España que realizaron celebraciones del evento del bicentenario. 

 
 

Los Schumann

de Paul David Adkin

Teatro biográfico.

Estrenada en febrero 2008,

en la Sala Youkali de Madrid

Después de 1808, Ñu optó por otro tema bicentenario. Esta vez, sin embargo, fue una narración biográfica más que épica. Robert Schumann nació en 1810 y se acercaba el aniversario. Se celebran Schumannfests anualmente en toda Alemania, y en el bicentenario estarían buscando algo especial. ¿Por qué no ofrecerles una pieza teatral? Y así, se creó Los Schumann.

 

La vida de Robert Schumann fue atractiva para Ñu por varias razones: (a) por su fuerza musical; (b) por el alma atormentada y la locura de Robert Schumann; y (c) por su relación con la gran pianista y compositora Clara Wieck. De hecho, el guión final trató más sobre la vida de Clara que de Robert, ya que el interés principal desde un punto de vista contemporáneo era feminista: ¿cuánto tuvo que sacrificar Clara cuando se convirtió en la esposa de Robert?

LA MÚSICA

La pieza nos permitió desarrollar aún más la música en vivo en nuestros espectáculos. Esto ya se había aplicado con La reina, y la música siempre ha sido un factor fundamental en todas nuestras producciones. El director de Ñu, Paul Adkin, a menudo ha defendido que "el teatro es música". Por esa razón, Paul siempre escribe en una especie de verso que asegura que su texto tenga las cualidades rítmicas que desea, ya que cree que una pieza teatral debe fluir como un concierto o una sinfonía.

 

Los Schumann fue sin duda la producción más conservadora de Ñu Teatro. Su guión es bastante naturalista y cronológico; el estado de ánimo es más íntimo que épico; romántico más que vanguardista; diseñado para atraer a los programadores más conservadores de los numerosos Schumannfests bicentenarios que tuvieron lugar en toda Alemania en 2010.

 

El Payaso

de Pawel Nikdaski

Anti-teatro.

Estrenada en julio 2010,

en el Teatro Arenal de Madrid

Si hay un "tema" que subyace y conecta toda la obra de Ñu Teatro es el estado de enajenación constante profundamente incrustado en la condición humana. Esto se expresa teatralmente a través de monólogos y soliloquios, o a través de diálogos que parecen monólogos porque los diálogantes parecen estar hablando consigo mismos y no entre sí. Esta forma de diálogo masturbatorio es común en el trabajo de Adkin, y crea personajes ensimismados que a menudo harán apelaciones o confesiones a la audiencia en lugar de simpatizar o comunicarse en cualquier nivel profundo con los otros personajes en el escenario.


El Payaso es un monólogo, o dos monólogos que fluyen en uno. Es una mentira masiva que roba al público la representación que deberían estar viendo para que se le dé otro tipo de actuación, una que no pagaron, y, en este sentido, es una pieza de antiteatro disfrazada de teatro.   

 

Debido a eso, es un oxímoron constante. Su verdad reside en su falsedad; su belleza en su deterioro; su alegría en su melancolía; su realismo en lo que crea la fantasía; su orden está en su caos. Es Eros y Thanatos; una interpretación de lo que nunca se realiza; una celebración de lo que nunca ha sido; el asesinato de lo que nunca nació. 

 

De todas las producciones de Ñu Teatro, la obra que mejor representa este aspecto de su trabajo es El payaso de Nikdaski. 

Sobre todo, es una reevaluación, principalmente del teatro, pero también de la condición humana. La actuación es bipolar y esquizofrénica; un monólogo entregado ante un sordomudo; exponer el curso antinatural del teatro y, posteriormente, el curso antihumano de la civilización. Una decadencia que sólo se salva por el poder lírico de la obra, porque, sobre todo, El Payaso es operístico. 

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